19/12/11

5 PREGUNTAS A CAROLINA BONA



Hoy hemos hablado con la joven Carolina Bona, una actriz con muchos trabajos a sus espaldas. Desde muy niña empezó con formación en teatro. Se ha hecho a sí misma, tiene su hueco en el cine español.

1.- Dime algo sobre ti (quién eres y qué haces).
Soy Carolina Bona. Madrileña, soñadora y actriz.

2.- ¿Por qué eres actriz?
Soy actriz porque me gusta soñar, jugar y saber por qué las personas hacen las cosas que hacen, dicen las cosas que dicen y sienten lo que sienten... . O quizá porque era hija única y me sentía sola, las películas han sido siempre mis compañeras en la vida.

3.- ¿Qué prefieres cine, tv o teatro?El cine es lo que más me fascina desde siempre. Aunque, en realidad, da igual cine, tv o teatro, ya que es el mismo trabajo en diferentes medios. 

4.- Comparte algún truco o un ritual que tienes cuando trabajas o estudias un guión.
Hilar todo el texto en mi cabeza como si en realidad, una cosa te llevara a la siguiente.

5.- ¿Cuál o cuáles han sido tus influencias?
¡Ay, Dios! Millones de pelis. De las que veía cuando era una niña, las que más me impactaron fueron Lo que el viento se llevó, Gilda, Eva al desnudo. O ya algo más mayorcita, El club de los poetas muertos o Como agua para chocolate. Mis directores imprescindibles son: Hitchcock, Baz Luhrmann, Kubrick y Tarantino.

Carolina espera el estreno de Impávido, de Nacho Monge, película que se grabó en Gijón junto con Nacho Vidal, Julián Villagrán y Pablo Penedo. En Enero comenzará el rodaje de una película independiente en Barcelona. Mientras tanto, sigue colaborando y trabajando a las órdenes de directores noveles en cortometrajes y videoclips.
Pero si la quieren ver ya, pueden disfrutarla en Baterías, una obra de Maria Balseiro. La Compañía de Teatro "Barco Pirata", presenta esta comedia ligera, trata de la amistad de tres mujeres que intentan salir de la crisis económica. Junto a Carolina también están Agnes Kiraly y Karina Moscol.

Aunque también es posible que la encontréis en algún local de la Latina, tomando un vino con su correspondiente pincho!



14/12/11

5 Preguntas a Olmo Sobrino



Olmo abre la veda a esta nueva sección: "5 PREGUNTAS A".
El primero en responder es mi colega y amigo del gremio, Olmo Sobrino, director de fotografía, operador de cámara, maquinista, etc. Olmo se atreve con todo, le echas una steadicam encima y es feliz, le dices que se tiene que meter en el agua e idea cómo puede hacerlo, se sube a la grúa, le dices que quieres ver el vomitado de una anciana con un plano nadir y lo monta, etc. hace lo que sea con tal de hacer un buen trabajo.

He trabajado con él, sé de lo que hablo.
Durante los rodajes se concentra tanto, que cuando vas a decirle algo, es posible que te gruña un poquito. Puede que te moleste, al principio, luego ya te acostumbras porque te das cuenta que todo es por el bien de la película, es demasiado perfeccionista y eso, como director, se agradece.
Él mira a través del visor, pero también fuera de él. Trata a la cámara como si fuera su amante, su tierna, romántica y pasional amante. De hecho, supongo que seguirá haciéndolo, cuando trabajábamos juntos, él y Albert Montero (otro día le haremos las 5 preguntas a él), el foquista, ponían nombres de mujeres a las cámaras.




1.- Dinos algo sobre ti.
     Soy un ser humano normal.

2.- ¿Por qué haces cine?
      Hago cine porque no me imagino mi vida sin rodar.

3.- ¿Con qué te sientes más a gusto trabajando: en digital o en analógico? Olmo ha trabajado tanto en digital como en analógico.
     Me da igual. Me importa que el proyecto sea bueno.

4.- Comparte un truco o dinos algo que sueles hacer siempre durante un rodaje.
     Escucho al director. No quiero que mi trabajo no vaya de la mano del suyo. Un director es como una novia, si no la quieres, mejor que la dejes pronto porque sino no saldrá nada bueno de esa relación.

5.- ¿Cuáles han sido tus influencias?
     Roger Deakins, el genial director de fotografía de algunas de las películas de los hermanos Coen, como Barton Fink o Fargo, y con ocho nominaciones a los Óscar. Y Robert Elswit director de fotografía de There Will Be Blood (Pozos de ambición), ganó el Óscar por esta película, y de Good Night, and Good Lucky.

Ahora Olmo anda de lleno en la posproducción de un proyecto realizado con su grupo de Pio Pio un cortometraje lleno de agua y erotismo llamado Prometeo. Además de un montón de nuevos proyectos que están en la fase de preproducción, tanto largometrajes como cortometrajes.


Estamos deseando poder echarle el ojo a esas producciones ya, ahora sólo podemos disfrutar de sus trabajos ya terminados!

11/12/11

Frozen River: no siempre estará helado...



Perteneciente a la ola de cine indie americano, es la historia de dos mujeres que la vida no las trata bien precisamente. Ray Eddy, una mujer “white trash”, (Melissa Leo) y su familia viven en el estado de Nueva York, en la frontera con Canadá que conduce a Quebec. El marido y padre les ha dejado, no es la primera vez: su ludopatía le empuja a gastar el poco dinero que consiguen ahorrar. Y ha ocurrido en el momento más inoportuno, cuando esperaban adquirir una casa prefabricada, vivienda bastante más digna que el pobre barracón que ocupan en la actualidad.En tal tesitura, ella conoce a Lila Littlewolf (Misty Upham), una chica mohawk que le propone una manera de ganar dinero fácil. El plan es arriesgado: pasar inmigrantes ilegalmente por el helado río Saint Lawrence, con patrullas fronterizas en las dos orillas. Cada una tiene algo que a la otra le falta. Contactos para ganar dinero fácil, un coche con maletero automático, un aspecto que no levanta sospechas con la policía. La desesperación por ganar dinero empuja a Ray a aceptar la oferta. Ray conducirá el coche y se repartirán las ganancias. Al principio, la capa de hielo es gruesa, pero a medida que siguen con su negocio y el hielo se hace más delgado, Ray y Lila descubrirán que trasladar inmigrantes tiene un precio.

Magnífica muestra del mejor cine independiente de Estados Unidos, premiada justamente en Sundance. Se trata de una historia de apariencia sencilla, cuya mejor cualidad es la humanidad de sus personajes, empujados por las circunstancias a tareas que suponen traficar con seres humanos. Dirigida y escrita por Courtney Hunt. La música corre a cargo de Peter Golub, Shahzad Ali Ismaily. La fotografía queda en manos de Reed Dawson Morano. En el reparto tenemos a Melissa Leo, Mistry Upham, Charlie McDermott, Michael O´Keefe y Mark Boone Junior. 

Considerada por el Instituto de Cine Americano (AFI) como una de las 10 mejores películas de 2008, Frozen River ha recibido numerosos premios y reconocimientos, como el de Mejor Actriz en el Festival de San Sebastián, el Gran Premio del Jurado en Sundance, así como dos nominaciones a los Oscar, al Mejor Guión Original y a la Mejor Actriz.

El cine estadounidense ha incluido frecuentemente indios entre sus personajes, dándoles un tratamiento escasamente elaborado y verosímil. Citados despectivamente como “pieles rojas” o incluso “salvajes”, fueron interpretados habitualmente por blancos caracterizados exiguamente.

John Ford aportó en "Cheyenne autumn" (El gran combate, 1964) una de las primeras miradas sensibles con su realidad, poniendo de manifiesto la llegada de su ocaso definitivo. Frozen River recoge el testigo de John Ford años después. Estamos a principios del siglo XXI, cuando los indios viven en reservas. Mantienen ya muy pocos rasgos autóctonos y han adoptado una forma de supervivencia subsidiaria de la del hombre blanco, cuya policía los vigila con desconfianza desde el límite territorial.

La directora, Courtney Hunt, da un paso más allá al situar la acción junto a la reserva Mohawk, en la frontera con Canadá. Nuestro tiempo no sólo ha confinado a la población india, sino que ha establecido otras divisorias que sitúan al recién nacido afortunado en el bando de la opulencia y al desafortunado en el de la pobreza.




Si el Río Grande dibuja la línea sur que atraviesan los “espaldas mojadas”, el San Lorenzo señala la raya norte donde confluyen inmigración ilegal, reserva india y pobreza. Porque, y esta es la aportación de Frozen River, no hace falta ser indio o haber nacido en México para ser pobre. En América, una concatenación de hechos desafortunados como la adicción al alcohol del marido, llevará a una mujer a la miseria. Entonces, para ella, desaparecen las diferencias y los prejuicios raciales. Terminará por sentirse igual a la india abocada a delinquir para salir adelante y a los asiáticos de limitadísima cultura que entran ilegalmente en su país.

Las similitudes con otras películas son evidentes, como por ejemplo con María, llena eres de gracia (2004). Una situación frustrante, sin perspectivas ni motivaciones en el horizonte, llevan a las protagonistas a cometer un acto ilegal. La necesidad obliga, incluso, a arriesgar las vidas. En María, llena eres de gracia el peligro está en que una pepa de heroína se rompa en el estómago, en Frozen River la muerte acecha bajo la capa de hielo. En ambos casos sólo queda rezar para que no te toque la lotería. Sin embargo, el peligro no acaba aquí. La policía, que no es tonta, vigila en ambos lados de la frontera, lo que convierte a la empresa en una tarea casi imposible, saltar de la sartén para caer al fuego.

Entre el thriller y el cine social, la realizadora Courtney Hunt (Memphis, Tennessee, 1964) va desgranando una historia que surge de la necesidad del ser humano de seguir adelante, pese a las adversidades. Lo hace, afortunadamente, sin sentimentalismos ni grandes estruendos y dentro del mejor cine independiente americano. El resultado es una narración fronteriza de las que dejan huella, pero también una historia de amistad que hace evidente la inexistente relación entre la comunidad india Mohawk y la estadounidense. Una película que rebosa naturalidad, una mezcla de Fargo y Thelma y Louise.
El primer largometraje de Courtney Hunt (basado en un corto previo de la propia realizadora) es puro lujo, con interpretaciones soberbias y un relato estremecedor (especialmente conmovedora resulta la escena de la pareja paquistaní y su bebé) que nos acerca al drama de la inmigración ilegal, la pobreza y la marginación. Hunt ha trabajado también en algunos episodios de la magnífica serie In Treatment.

Al tema del encuentro interracial y la superación de las diferencias en base al común denominador del corazón humano, se añade la cuestión recurrente de la ausencia del padre, el sacrificio redentor que nace del agradecimiento, el perdón e incluso la trascendencia. Dos mujeres maltratadas por la vida aprender a mirarse a la cara y a sacrificarse la una por la otra cuando descubren el valor de la vida y la alegría de tener a alguien a quien amar. Sutil, intensa, con un fenomenal manejo del ritmo, unos personajes magníficamente caracterizados (atención al hijomayor de Ray) y una fotografía bella y desoladora al mismo tiempo.

Está muy bien trabajada la progresión en la relación entre las dos mujeres, hasta llegar a algo muy parecido a la amistad, que como es sabido se demuestra en el sacrificio por el otro, en este caso la otra. Y también está bien perfilado el hijo adolescente, y los valiosos secundarios, ya sean los mafiosos de turno, o los policías, mostrados como auténticos seres humanos. Hay momentos de intenso dramatismo -el traslado de un matrimonio pakistaní, con la pérdida de un bebé precisamente en Nochebuena-, y un inspirado final.

La película es sobria, la luz está teñida de fríos azules, el paraje donde transcurre la acción, con el río helado, da pie a una preciosa fotografía, muy efectiva.
La estructura lineal que enmarca un lapso temporal breve, donde la secuencia de acontecimientos no se extiende mucho más allá de lo presentado en el metraje, no es más que la lógica consecuencia de una hábil elipsis, referida tanto al bagaje precedente como a la inmediata posteridad. De esta manera, la trama se constituye como un rito transitorio entre una situación inestable (y detestable) y una estabilidad atropellada, pero suficiente.
El guión, nominado al oscar al mejor guión original, empresa nada fácil para un filme independiente, contiene los ingredientes requeridos para que todo funcione, sin caer ni en excesos ni en gestos tímidos. El potencial literario de la obra es notorio y su capacidad dramática posee un nivel destacado.Magistralmente interpretada por el dúo de actrices protagonistas, sobre todo Melissa Leo, que logra que en cada plano su personaje reclame la parte de felicidad que le corresponde y que la vida le ha arrebatado, y su determinación en hacer lo que sea necesario para proteger a sus hijos.
Gran trabajo de las desconocidas actrices, Melissa Leo y Misty Upham.



La puesta en escena es contundente, pero llena de buen gusto y sin caer en el fácil deleite por lo dramático. El tratamiento de las situaciones demuestra una gran simpatía por lo humano y nunca cae en la tentación de lamerse las heridas. En este sentido es muy interesante la figura del hijo mayor, T.J., un chico que ha aprendido a madurar y que afirma el valor positivo de la realidad a pesar de los nubarrones que se ciernen sobre su cabeza.

Hunt consigue que aunque las protagonistas de la película sean las traficantes de seres humanos (víctimas además de la pobreza y de la marginación), tampoco se quede en segundo plano el problema de los inmigrantes (la familia hindú, las dos chicas chinas...). Las circunstancias de todos ellos quedan dibujadas en un instante, con una mirada... pocos directores son capaces de conseguir eso. Al final, un relato completo, dibujado desde diferentes perspectivas, y sostenido por una estimulante intepretación de sus actores principales.



Tarantino dijo de la película que "es uno de los thrillers más inquietantes que he visto".

"Los hijos son las anclas que atan a la vida a las madres" Sófocles












8/12/11

La LomoKino ya llegó



El "tomavistas" de lomo, acaba de aterrizar en todo el mundo!




¿Quién no ha tenido en su casa una cámara súper8, los más mayores, o un "tomavistas" o cámara de vídeo, los más jóvenes? ¿Os acordáis de esos programas como vídeos de primera o vídeos caseros, dónde sacaban los mejores vídeos realizados con la cámara de sony o de panasonic, que iban a cinta? Luego, se pasaban a una cinta más grande y los poníamos en en el vídeo VHS (o BETA) y toda la familia se sentaba en el salón para ver los recuerdos de la Comunión, la Boda, la excursión a La Pedriza, las vacaciones en el pueblo, etc. Pues gracias a Lomo, podemos volver a los "vídeos caseros", pero con película de 35mm!! Sííííííí, si eres fan de lo analógico, continua leyendo!



La LomoKino te permite disparar hasta 144 fotogramas en un solo rollo de 35 mm y crear increíbles películas cinematográficas. Puedes utilizarlo para realizar maravillosos cortometrajes, videoclips o simplemente jugar y divertirte haciendo vídeos en stopmotion.
Puedes utilizar cualquier tipo de película en 35 mm: en color, en b&n, hacer un proceso cruzado (si tienes una película en b&n, revelarla en color, y a la inversa. Arriesga, verás que increíbles imágenes obtendrás). Además puedes añadir cualquier tipo de flash y sacar de paseo la LomoKino por la noche.


Es fácil de usar. Pero recuerda el consejo más importante que te da la comunidad lomográfica: OLVIDA LAS REGLAS.



Para más información pasa por el microsite de LomoKino. Lee algunos artículos escritos por usuarios de LomoKino, o simplemente, sigue a la autora de algunas de las imágenes de la pequeña LomoKino. Y si quieres ver algún vídeo tienes un montón en vimeo!. Coge un bol de palomitas y disfruta viendo stopmotion realizados con la LomoKino!


23/11/11

La Sociedad Lomográfica acaba de sacar su LomoFisheye en Negro


¡LA SOCIEDAD LOMOGRAFICA TIENE EL PLACER DE DAR LA BIENVENIDA A LA NUEVA FISHEYE ONE ALL BLACK A NUESTRAS VIDAS!


Presumiendo de un diseño clásico y elegante, la primera cámara del mundo compacta con lente “ojo de pez” regresa vestida completamente de negro. Podrás captar todo lo que te rodea en un ángulo 170 grados. Además viene con el flash incorporado que conoces y amas, la Fisheye One All Black te permite captar tus momentos especiales con una sorprendente perspectiva.

La Fisheye One  de Lomography te permite experimentar una visión fotográfica diferente, mira tus sujetos en círculos surreales y ¡entra en el maravilloso mundo de la distorsión! Capta tus mejores momentos de forma única en un ángulo de 170 grados, y todo con rollo de 35 mm.

Ahora vestida de negro, la Fisheye One viene a completar tu colección de cámaras clásicas. Para todas las ocasiones, esta cámara será tu compañera de confianza en tus exploraciones lomográficas.
 


Especificaciones:
- Formato de película: 35 mm.
- Revelado: normal.
- Flash electrónico incorporado.
- Tapa para lente y cuerda.
- Ángulo de visión de 170 grados.
- Exposición múltiple para ilimitados disparos en un fotograma.
- Afiche, Mini Libro de fotos "Fisheye View" y manual de instrucciones.
- Lo encontrarás en la web de lomo (o cualquier punto de venta, llama al 91 310 44 18).
- PVP: 45 EUROS.





 
 



20/11/11

Ayer Noche...

...me acerqué a Mayor con mis pequeñas hijas (MiniDiana, ODISEADianaF+ y Harinezumi2) a lomografiar el ambiente y el concierto de turno.

La sala estaba "llena", vislumbré caras conocidas, algunas sonrisas, niños recién salidos del garaje para tocar o que están empezando a salir, vamos lo que viene a ser acné juvenil. Esto es normal, teniendo en cuenta que es un pueblo, tanto mayores como pequeños terminamos en los mismos sitios.

Por lo visto, llegué tarde, habían tocado los primeros teloneros, un grupo natural de la comarca, lamento decir que no recuerdo su nombre, ni si quiera sé que tipo de música tocan. Aunque dado el vestuario que llevaban los chavales, puedo tener una ligera idea.

En el local permanecía la exposición temporal de instagram, organizada por CIEMPHOTO, desconozco cuántos usuarios de la red social han participado, pero son fotos en los que uno puede perder el tiempo y desentrañar la historia de cada una de ella. Supongo que la gente, antes de empezar los conciertos, llegaron a posar sus ojos en las imágenes, si no..., creo se lo perdieron lamentablemente, les insto a volver a pasar y echarles el vistazo que se merecen. 

Con una cerveza en la mano y mis cámaras a punto de caramelo, esperé a que los siguientes teloneros hicieran ruido con sus instrumentos. Cuán grata fue mi sorpresa al descubrir un grupo de cuatro tías subir al escenario, ¡mis ojos no daban crédito! Es muy triste, pero es la realidad, es bastante extraño que haya grupos exclusivamente de chicas en el panorama musical actual.

Los acordes de las Sayonara Babies comenzaron a sonar, las chicas parecían estar en su salsa, cómodas y disfrutando de su posición. Su música me trasladó a los ´90, dónde el grunge fue el centro de atención prácticamente, los Pixies parecen que son parte de su día a día.

Mis tres hijas, se lo pasaron teta, el problema fue de HARINEZUMI2, que se le acabó la pila en mitad de la grabación de las Sayonara, por lo que hasta dentro de unos días no os podré mostrar los documentos audiovisuales. Pero de verdad, confiad en mí, esas chicas tienen futuro.
El concierto fue corto, pero intenso. Tenía que llegar el plato fuerte de la noche.
Y llegaron, ¡madre que si llegaron! The Rebels entraron pisando fuerte, se presentaron en calzoncillos. ¡Un 19 de noviembre en gayumbos (encima, de los bonitos, los de pantalón)! Con esto creo que ya ganaron muchas fans... . Tenía algunas reticencias, siendo sincera, porque el hecho de que hayan sido teloneros de Bon Jovi, no tiene porque ser bueno. Me subí a la segunda planta a disfrutar del paisaje, mis hijas echaban humo, hacía fotos a la muchedumbre, a la barra, al escenario,... . Algunos problemas con el sonido tuvieron, Álex, el cantante bajó del escenario para solucionarlo, el resto de la banda siguió tocando, volvió a subir y todo continuó como si no hubiera pasado nada. Dedicaron algunas canciones, Álex a su padre; Alfredo ,siendo sarcástico, se lo dedicó a la marea azul de hoy. Juan ahí estaba detrás, con su batería, con una vista privilegiada. Los Rebels levantaron la sala. Las Sayonara estaban en primera fila saltando, pero a los que estábamos detrás también nos hicieron saltar.

 
Al final del concierto, me acerqué a felicitarles a ambos grupos, y les dije la verdad, no iba con muchas expectativas, sin embargo tanto las niñas como los niños me sorprendieron (muy) gratamente.


Después compartimos cervezas, risas, hablamos de lo que hoy puede suceder, de los lobby de poder e incluso, de las teorías de la conspiración. Y por mi desparpajo, Diego y yo iremos a verles a la Sala Sol; todo se lo debemos a la mochila de Juan.
En el próximo post incluiré el contenido audiovisual de mis hijas...


9/11/11

Kodak versus Polaroid: el litigio.

La película instantánea es un tipo de película fotográfica diseñada para ser usada en una cámara instantánea. La película contiene las sustancias químicas necesarias para revelar y fijar la foto, además de exponer e iniciar el proceso de revelado, después de hacer una fotografía.

En las cámaras Polaroid instantáneas la película es tirada por los rodillos al derribar una vaina. Este emparedado de película se revela durante un tiempo predeterminado, dependiendo del tipo de película y la temperatura ambiente. A continuación, la hoja positiva es pelada lejos del negativo para descubrir la foto revelada.

La película instantánea está disponible en tamaños de 24 mm x 36 mm hasta 20x24. Los tamaños de películas más populares entre los consumidores es de 3 ¼x4 ¼ aproximadamente. Los paquetes de película integrales contienen una batería plana eléctrica para manejar mecanismos de exposición / enfoque, así como motores de eyección de película en la cámara.

La fotografía instantánea es usada en situaciones donde es necesario validar la imagen, como por ejemplo en la identificación personal o en el empleo de los pasaportes. La película inmediata también es usada por artistas para alcanzar los efectos que son imposibles de lograr con la fotografía tradicional, manipulando la emulsión durante el proceso de revelado. Actualmente, la película instantánea está siendo suplantada por la fotografía digital e impresa.

Los avances en las prestaciones de los objetivos, llegaron a partir del año 1903 con los objetivos fabricados por Zeiss. Otros progresos fueron aportados por el sistema réflex en 1828. La primera cámara réflex binocular con un objetivo para la toma, otro para el encuadre y el enfoque, fue construida por H.Cook en 1865.

Algunos investigadores se dedicaron a experimentar el método de fotografía instantánea, es decir, especularon con la posibilidad de revelar la película en el interior de la cámara fotográfica, en lugar de la cámara oscura (laboratorio).

La fotografía instantánea se hizo realidad en 1947, con la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land.
Este revolucionario invento añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.

Las películas que podemos encontrar o sacó Polaroid son de cuatro tipos:
-Carrete: Fue distribuido en dos rollos separados en negativo y en positivo, con el revelado en el interior de la cámara. Fue introducido en 1948 y fue usado hasta 1992.
-Paquete de película: Fue distribuido en un embalaje, que contenía ambas hojas, positivas y negativas y revelado en el exterior de la cámara. Fue introducido en 1963 y aún está en elaboración.
-Película integral: También está distribuida en un embalaje, pero cada envoltorio de película contiene todos los elementos químicos para exponer, revelar y fijar la fotografía. Fue introducido en 1972 aunque a partir de junio de 2008, Polaroid cerró su fabrica de papel en Holanda.
-Polavision: Una foto instantánea en movimiento, Polavision, fue introducida en 1978, con un formato de imagen similar al Super 8 mm, y basado en una mejora del proceso de color. Polavision requería una cámara específica y una superficie para el espectador de dicha cámara, pero no tuvo éxito comercial. No obstante, ayudó al desarrollo de la proyección de diapositivas en color de 35mm. La película Polavision ha sido retirada del mercado.

Las cámaras más importantes:
-Modelo 95 (1948) | Fue la primera cámara instantánea que pudo ser comercializada. Después de tomar una foto se debía esperar un minuto para que saliera la imagen, impresa en color sepia debido a los químicos.
- Automática 100 (1963) | La primera cámara con disparador automático. Además, fue la primera de la línea Packfilm. La película venía en paquetes y el positivo se separaba del negativo fuera de la cámara, lo que permitía tomar una foto tras otra sin esperar un minuto a que se revelara. Este tipo de film seguirá siendo distribuido por la empresa Fuji.
 - 600 SE (1978) | Esta es la más profesional de las cámaras Polaroid. Es una cámara Packfilm, completamente manual (con ajustes de velocidad de obturación y apertura de diafragma), y viene con tres lentes intercambiables marca Mamiya.
 - SLR -680 (1982) | De un diseño muy similar a la SX-70, fue uno de los modelos más populares, y el mejor de la serie 600.
- SX-70 (1972) | Considerada por muchos como un hito de la fotografía, este modelo fue el primero en contar con un sistema de lentes reflex (SLR), gracias al cual el resultado de la toma es idéntico a lo que se ve en el visor. Otra de sus innovaciones fue que utilizaba una película que se revelaba automáticamente, sin la intervención del fotógrafo.

Kodak llega al mercado de las instantáneas.

El 20 de abril de 1976 la compañía Kodak anunció que desafiaría el monopolio detentado por Polaroid durante más de 28 años en el mercado de las fotografías de revelado instantáneo. La alta dirección de Kodak correspondía a un hombre de larga tradición en la
empresa, Walter A. Fallon, vinculado a la división que había llevado a cabo el programa masivo de investigación de cámaras instantáneas dirigido por Albert Seig.
La dirección de Polaroid continuaba en las manos del Edwin Lang, asistido por colaboradores directos de la época del diseño de la primera cámara, quién estaba dispuesto a defender su parcela con agresividad, llevando a Kodak a los tribunales por infracción de patente.

El mercado estaba muy concentrado. Las ventas al menor de productos fotográficos para aficionados en EEUU eran de 6,6 mil millones de dólares, las de Kodak se estimaban en 2,5 mil millones (37,8%), mientras que las de Polaroid apuntaban a los 0,5 mil millones de dólares (un 7,5%).
La diferencia de tamaño era muy importante, el Beneficio Bruto de Kodak era diez veces superior al de Polaroid.
Desde el principio, las declaraciones Polaroid presentaban una fuerte carga emotiva, reivindicando la superioridad de sus productos y su disposición a luchar contra Kodak en todos los frentes del mercado de revelado instantáneo, desde el comercial, hasta el jurídico defiendo los derechos exclusivos que todavía conservaban sobre algunas piezas y mecanismos del sistema.
La situación es muy diferente a la de una guerra. A Kodak le interesa desembarcar en el mercado de Polaroid –incluso expulsarla del mercado- siempre y cuando ello le reporte una rentabilidad adecuada. Si el coste de una larga lucha comercial y jurídica es elevado, se reducirá la rentabilidad esperada y la empresa, incluso la más poderosa, deberá retirarse de este segmento del mercado y concentrarse en aquellos otros sobre los que fundamenta su rentabilidad.
Si Kodak debe renunciar a su programa de expansión en el segmento de revelado instantáneo, porque la reacción de Polaroid se lo pone muy caro, la lucha de Polaroid sería mucho más que una reacción pasional y numantina, tendría la alta rentabilidad esperada de recuperar el monopolio del segmento de revelado instantáneo.

Un juez de los Estados Unidos ha condenado a la multinacional de fotografía Eastman Kodak Co. al pago de una indemnización a Polaroid Corporation de 909.4 millones de dólares por un delito de utilización fraudulenta de patente.
Con esta resolución se pone punto final a un contencioso en que la clave ha sido la evaluación de los daños ocasionados durante los diez años en que Kodak utilizó de forma indebida patentes de la compañía Polaroid. Mientras Polaroid esgrimía unas pérdidas de 4.000 millones de dólares por la acción de Kodak, esta última las estimaba en 343 millones solamente.
En su sentencia, el juez Mazzone ha dicho que Polaroid experimentó pérdidas por valor de casi 250 millones de dólares y la diferencia hasta los mencionados 909,4 corresponde al cálculo de los intereses generados y de los royalties.

En octubre de 1985 un juez federal de Boston dictaminó, tras 75 días de sesiones, que Kodak había utilizado ilegalmente ocho patentes de Polaroid, hecho que motivó que aquella sociedad tuviese que dejar de vender las cámaras de fotografía instantánea o películas similares a las fabricadas por Polaroid. El abandono de este segmento del mercado, según cálculos de Kodak, le comportó unas pérdidas superiores a los 23.000 millones de pesetas y se vio obligada a despedir a un 10 % de sus trabajadores.
Las patentes discutidas se referían a distintos mecanismos de las cámaras instantáneas y a las fórmulas químicas de las emulsiones de las películas de revelado inmediato. Unos años antes, concretamente en 1976, Kodak había sufrido su primera derrota legal cuando un juez inglés dictaminó que esta firma no podía fabricar ni vender en el Reino Unido este tipo de material fotográfico. Ante la evidencia de los hechos, Kodak cerró las instalaciones donde se fabricaban los productos objeto del litigio con Polaroid y puso en marcha todo el sistema de devoluciones y compensaciones a escala mundial.
En los Estados Unidos, los propietarios de las cámaras instantáneas de Kodak tuvieron la oportunidad de escoger, en el momento del cambio, entre una cámara y películas del sistema de teledisco, bonos por importe de 50 dólares o, incluso, una acción de la compañía.

Tras años de litigio, Polaroid alcanzó una victoria total. Kodak tuvo que retirar del mercado su películas y cámaras instantáneas (no sólo perdió su parte del mercado de la película instantánea, también las ganancias previas de cámaras instantáneas kodak. La marca tuvo que devolver el dinero a todos sus clientes). Aunque Polaroid recuperó el dominio del mercado de la fotografía instantánea, perdió terreno ante la competencia de los vídeos portátiles y los pequeños laboratorios que revelaban y sacaban copias de películas en una hora.