31/1/12

Basquiat y Warhol un dúo muy especial.

Andy Warhol (1928-1987) y Jean-Michel Basquiat (1960-1988)



Ambos fueron figuras esenciales en la escena artística del Nueva York de mitad de los ochenta, una época en la que músicos, actores y artistas se dedicaban a experimentar con el arte, la identidad, las drogas y la sexualidad. En este ambiente, Warhol creaba la “escena” y Basquiat, joven artista del graffiti lanzado al estrellato, la salpicaba con sus sprays. Venerados en vida y mitificados tras su muerte, ambos artistas se convirtieron en carne de leyenda.  

 
Entre 1983 y 1985 trabajaron a cuatro manos con un alto nivel de inspiración y productividad. Pintaron 130 óleos que firmaron a medias.

Basquiat, enamorado de la obra de Warhol desde la adolescencia, visitaba frecuentemente el estudio del artista –The Factory- en los años ochenta. Fue el marchante de Warhol, Bruno Bischofberger, quien sugirió una colaboración de diálogos pictóricos basados en la igualdad. Warhol trazaba los temas y Basquiat pintaba sobre ellos, cambiándolos e incluyendo nuevos elementos. Obra tras obra, las colaboraciones se convirtieron en una conversación de color sobre lienzo. 


B. Bischofberger sostenía que "a veces Warhol no estaba tan contento porque él pintaba algo y Basquiat se metía y pintaba sobre todo. Pero Basquiat a veces pensaba que Warhol era flojo porque terminaba rápido y Basquiat quería volver a todo una y otra vez".


En 1985 empieza a realizar colaboraciones en las obras de Warhol. Ellos pudieron fusionar el arte de cada uno, Warhol realizo aportes en las obras de Basquiat también, combinaron su arte con combinaciones de color, collages, serigrafía, graffiti y lenguaje publicitario.
Warhol y Basquiat se llevaban muy bien . La mayoría de las obras las empezaba Warhol y las terminaba Basquiat. 


Warhol dejó escrito en su diario: Jean-Michel Basquiat ha conseguido que pinte de una forma muy diferente, y eso está muy bien”.


La idea de pintar juntos fue considerada enriquecedora para ambos porque Warhol, que en aquel momento sólo empleaba técnicas como la serigrafía, volvió a tomar el pincel, y Basquiat comenzó a conocer las técnicas mecánicas aplicadas a la pintura.

 

Las colaboraciones de Warhol y Basquiat fueron "conversaciones físicas" en el sentido de un diálogo, de una confrontación física que demandaba respeto mutuo y aceptación. Ambos encarnaron el conflicto entre dos visiones muy diferentes del arte y el mundo. Que estos antagonistas fueran capaces de crear juntos obras tan brillantes y diversas mediante una colaboración fértil podría explicarse por la gran tensión productiva fruto de este encuentro. 

 

Basquiat acentuó o borró las pinturas manuales y las serigrafías de Warhol con sus propios elementos visuales, colocándolos por encima o junto a ellas. Introdujo constantemente en estas obras la anatomía de sus obras, con una interacción entre el interior y el exterior, entre las partes superiores e inferiores. Su compromiso con el racismo, el encuentro de varias culturas y su reflejo de nuestra sociedad de consumo capitalista se reflejan en su "anatomía de la calle".


Es en este mismo año que Basquiat parece en la portada de la revista New York Times, convirtiéndose en el primer artista plástico negro que aparece en la primera plana, el establishment cultural negro criticaría el patronazgo de Warhol a un artista negro.


Warhol veneró a Basquiat, pero a veces chocaban. La naturaleza obsesiva de Basquiat, que pintaba y repintaba sus obras muchas veces, hizo que discutiera frecuentemente con Andy Warhol.

 
Sin embargo, esta red de relaciones fue muy frágil tal y Basquiat finalizó su colaboración con Warhol después de la crítica recepción de 16 colaboraciones en la Galería Tony Shafrazi en septiembre de 1985. Vivien Raynor, por ejemplo, llegó a denominar a Warhol “mascota” en una crítica publicada en el New York Times el 20 de septiembre. El cartel diseñado por Tony Shafrazi destaca claramente el acto físico de colaboración artística: retrató a los dos artistas como boxeadores

 
El joven artista, profundamente afectado, nunca más volvió a aparecer por The Factory.

 
Fab Five Freddy, un viejo amigo, afirmó: "Veníamos los dos de Brooklyn, y Jean-Michel era el único que conocía a Caravaggio, Warhol y tantos otros, y a la vez que sabía lo que pasaba en la calle".  

 
En vida, Basquiat no fue maltratado por la crítica, salvo tal vez el momento en que trabajó junto con Warhol. Edward Lucie-Smith sostuvo: "El más celebrado artista afronorteamericano de los 80, Jean-Michel Basquiat, utilizó con frecuencia la imaginería 'negra', pero al mismo tiempo, siempre demostró su ansiedad por someterla a claros acentos de universalidad. Su intención no era tanto construir una capillita más para la cultura afronorteamericana, sino competir en igualdad de condiciones con su mentor Andy Warhol".


F. Rosa advirtió: "Basquiat no era Arthur Rimbaud o Henry Tanner. Basquiat era un estudiante de arte anticipado a su tiempo, que alcanzó demasiado pronto su estatus de súper estrella. Su iconografía no es, como algunos eruditos quieren probar desesperadamente, una mezcla de urbanidad con incautaciones del vudú. En cambio, él sabía más sobre Babar, Mickey Mouse y Warhol, que sobre Haití y sus tradiciones religiosas o iconográficas"

 
Los artistas, que nunca volvieron a verse, ambos murieron en Nueva York. Warhol, el 22 de febrero de 1987, de un fallo cardíaco post-operatorio. Basquiat, el artista negro más famoso de los EE UU pese a tener sólo 27 años por entonces,  falleció el 12 de agosto de 1988 por una sobredosis de speedball/powerball (heroína y cocaína). 


30/1/12

¡ATENCION! Ediciones de San Valentín

La Sociedad Lomográfica tiene el placer de presentar:
 
¡El nacimiento de las Valentines Edition Gone Wild!
 
Pásate al lado "salvaje": Dá rienda suelta a tu bestia interior en San Valentín con una de estas cinco cámaras wildstyle.

Edición salvaje: La edición limitada Diana F+ Zebra, Diana Mini Leopard y Fisheye nº 2 Python golpearán tu corazón – sólo hay 2.000 piezas disponibles.

Sardinas con "piel" de serpiente: Orinoco Ochre y Serpent Sapphire te seducirán con su estampado de piel de serpiente en azul y naranja.

Pásate al lado salvaje.
¿Estás cansado de los dichosos corazones rosas y te pone nervioso las ñoñerías del día de San! Valentín? ¿Sientes un rugido interior y disfrutarías haciendo el bestia? ¡Es el momento!
Da rienda suelta a tus sentimientos en San Valentín con una de nuestras nuevas y salvajes cámaras. Para diseñarlas nos hemos inspirado en los animales más feroces, sus estampados son tan salvajes que las hemos tenido que empaquetar con la máxima seguridad. Si lo que te gusta es la piel, prueba la Diana F+ Zebra y Diana Mini Leopard, o si lo que prefieres son los placeres sinuosos de las serpientes no dejes pasar la Fisheye nº 2 Python, Sardina Orinoco Ochre y Sardina Serpent Sapphire.
 
No importa la cámara que elijas, seguro que le darás un toque picante a tu San Valentín.
¡Vuélvete salvaje con Lomography!
 
Edición salvaje.
Hasta ahora la Diana F +, Diana Mini and Fisheye nº 2 se han vestido con muchos colores pero nunca con estampados de animales. La Diana F + Zebra lleva un traje blanco y negro en un cuerpo de color turquesa, seguido por la Diana Mini Leopard en rosa desgastado con el clásico estampado de leopardo de lencería. La Fisheye nº 2 Python en verde sale directamente de la selva, con un estampado de piel de serpiente. No solo estas tres bestias harán que bata más rápido tu corazón de San Valentín, también fotografiarán las escenas más insólitas que nunca hayas visto en el día de San Valentín. Formato medio de zebra, halfframe de leopard o fisheye python… 
 
¡Elije tu lado salvaje!

Sardinas con piel de serpiente.
Dos extrañas Sardinas se pasean en este día de San Valentín, seduciendo en un segundo a los fans de los colores. La Orinoco Ochre enseña sin pudor su piel naranja y pondrá un destello de luz y color para iluminar las mejores aventuras. La Serpent Sapphire te llevará a disfrutar de una especial “blue hour” con tu pareja. Un ardiente estampado de serpiente en un cuerpo refrescante azul, se define en dos palabras: ¡SEDUCCIÓN ANALÓGICA!
 
Ambas vienen con lente de plástico gran angular y dos ruedas para captar cada momento de tu aventura de San Valentín.
 

Información y puntos de venta:
91 310 44 18
 
 
La Sociedad Lomográfica  Internacional es una organización mundial activa dedicada a la fotografía experimental y creativa. Con más de medio millón de miembros, el concepto de lomografía abarca un modo  de vida interactivo, vivaz, desenfocado y alocado. A través de nuestra selección innovadora de cámaras y accesorios de fotografía en constante crecimiento, promovemos la fotografía analógica como una forma creativa de comunicar, absorber y captar el  mundo. Gracias al esfuerzo y habilidades de los miembros de la Sociedad Lomográfica, tratamos de documentar el increíble planeta que nos rodea en un flujo infinito  de  fotografías; literalmente un retrato "lomográfico" mundial visto a través de los ojos de innumerables personas y culturas.


 

25/1/12

5 PREGUNTAS A DARIO PASO-JARDIEL

En las 5 PREGUNTAS A..., le toca el turno a Darío Paso-Jardiel, quizá alguien pueda preguntarse quién es, se trata de todo un artista, hijo, nieto y bisnieto de una gran familia de actores y autores teatrales.
Su bisabuelo es el gran Enrique Jardiel Poncela, su obra pertenece al movimiento del teatro del absurdo, una de sus obras más representativa es "Amor Se Escribe Sin Hache" (si no lo habéis leído mal vamos!). Nieto de Alfonso Paso, autor de obras tales como "Las que tienen que servir" o "Querido Profesor". Hijo de dos actorazos con César Sánchez y Rocío Paso-Jardiel y sobrino de la actriz Paloma Paso-Jardiel. Sólo tuvo que seguir a "sus mayores", de todas maneras hay que destacar que su carrera ha sido por méritos propios.



1.- Di algo sobre ti.
Soy Darío Paso-Jardiel. Nací en Madrid hace 32 años. Llevo desde los once en el mundo de la interpretación. En la adolescencia me adentré en el mundo de la dirección de cortometrajes. Vivo por y para el cine (vamos, que soy un muerto de hambre con pretensiones).

2.- ¿Eres más actor o director?
Me considero actor y director a partes iguales, aunque, si te soy honesto, me llena muchísimo más, como artista y como persona, la dirección. 
Me encanta la interpretación pero mi auténtica pasión, mi debilidad, es la dirección y la escritura. Desde muy pequeño me ha gustado contar historias, compartir con el resto de la gente mis anhelos y locuras, mis inquietudes, mi mundo interior y eso, como actor, es muy difícil hacerlo. 
La actuación (para mí) es un arte un tanto castrante. Somos los narradores de una historia ya escrita, somos el lienzo o el instrumento, el vehículo para que otros se expresen y aunque esto, de por sí, ya es precioso, a mí, me sabe a poco. Necesito contar mis historias y la única forma en la que puedo hacerlo es escribiendo y dirigiendo. Si me dieran a elegir entre acabar mis días como actor o como director elegiría, sin pensarlo, como director. Aunque mi propósito es ser como Icíar Bollaín o Peter Mullan, dedicarme a ambas cosas, poder narrar mis historias y también las de otros.

3.- ¿Qué prefieres cine, tv o teatro?
Sinceramente no veo diferencias sustanciales entre los tres medios. Sí, es cierto, hay técnicas distintas, pero al fin y al cabo los tres son medios de expresión muy, muy similares. No soy de esos que desdeña un producto por el medio en el que se expone. Sólo son eso: medios. Al fin y al cabo, lo que importa es lo qué se cuenta y cómo se cuenta y no dónde se cuenta. Cada medio tiene sus encantos y sus dificultades. 
El cine y el teatro no necesitan abogados que hablen por ellos, todo el mundo los respeta y admira. 
Sin embargo, la televisión, siempre tan maltratada, necesita voces que la representen. La televisión tiene una cosa muy mágica que no tiene ninguno de los otros dos medios, y es, curiosamente, la fusión de ambos (teatro y cine) lo que la hace tan interesante (al menos para mí) y compleja. En la televisión se mezcla la inmediatez, la espontaneidad del teatro y la técnica científica y minuciosa del cine. Hay mucho que aprender de la televisión, queda aún mucho que trasladar de ella a los otros dos ámbitos. 
No me importa donde trabajar mientras lo que haga me guste y llene.

4.- Comparte algún truco, o un ritual, que tengas cuando trabajas o estudias un guión.
Soy muy nervioso, eso te lo podrá decir cualquier persona que me conozca un poco, pero no soy especialmente maniático. 
Mis rituales como actor están muy centrados en lo técnico, en la concentración. Por ejemplo, antes de entrar a escena suelo hacer ejercicios de voz y de cuerpo, si no los hago, aunque esté de sobra preparado, no me siento del todo listo para afrontar mi trabajo. Esto mismo también lo hago cuando trabajo en audiovisual, pero a una escala más pequeña, con ejercicios más sencillos e íntimos. 
La concentración es sagrada, tanto a la hora de interpretar como a la hora de dirigir, si tu mente, todo tu ser, no está completamente concentrado, entregado a lo que estás haciendo, es fácil que tu trabajo sea mediocre y eso es muy frustrante. No quiero que algo me quede mal porque, en su momento, no lo di todo. 
También es bueno (en ambos trabajos) estar muy receptivo, atento a todo lo que te puedan aportar tus compañeros, eso, siempre, enriquecerá tu obra. Ningún artista debe permitirse el lujo de ser tan egocéntrico como para no absorber todo lo bueno que te aportan los demás. Nuestro trabajo tiene que ser generoso para poder alcanzar al público.

5.- ¿Cuál o cuáles han sido tus influencias?
Aquí me centro más en mi (corta) experiencia como director que en la de actor, ya que en la de actor es mucho más complejo exponer cuales son mis influencias.
Como director (o cuenta-historias, en general) siempre me he dejado llevar un poco por la filosofía del “por qué no”, o sea contar las cosas como me apetezca sin fijarme mucho en academicismos ni normas aristotélicas (aunque las tengo muy presentes). 
Mis ídolos son autores como David Lynch, Roman Polanski, Stanley Kubrick, David Fincher, Tim Burton, Lars Von Trier o Terry Gillian, entre muchísimos otros. También me he dejado influenciar mucho por el teatro, el cine mudo (que me apasiona), el cómic o el videoclip (tan vilipendiado siempre y al que yo venero). 
Sin olvidar, los ídolos que me marcaron de niño y que me seguirán toda mi existencia, como: la factoría Hammer, Roger Corman, los clásicos de terror de la Universal y mis amados Poe, Lovecraft y Kafka
Con toda esta mezcla en la cabeza imagínate como está mi salud mental (fatal). 

 
Hace unos meses, Darío, trabajó  actuando en la serie “Palomitas” de El Terrat, dónde se lo pasé de maravilla. Además, actuó en la obra de teatro “Creo en Elvis” de Mariano Rochman, con la que inmerso en la gira. 
Como director, se encuentra terminando su corto “Nada que decir” con Iván Massagué, Montse Plá y Juanfra Juárez. Según nos informa, se entrenará dentro de poco. 


Si esto no fuera poco, esta con las manos en la masa, en plena producción de otro corto. Me informa que su próxima parada, en este tren que es el cine, es meterse de lleno en un largometraje, dirigiendo, claro!

23/1/12

Labyrint, o lo que en España se llamó Dentro del Laberinto (1986)

"Érase una vez, una jovencita cuya madrastra le obligaba siempre a quedarse en casa cuidando del bebé; y el bebé era un niño mimado, era todo para él y la jovencita era prácticamente, una esclava.
Pero lo que nadie sabía era que el rey de los Goblins se había enamorado de la chica y le había dado ciertos poderes... y por ello la chica sufría en silencio; hasta que una noche, cuando el bebé había sido especialmente cruel con ella, llamó a los goblins pidiendo ayuda... "Di las palabras correctas" dijo el goblin, "nos llevaremos al bebé a la Ciudad de los Goblins y tú serás libre". Pero la chica sabía que el rey de los goblins se quedaría al bebé en su castillo para siempre, para siempre, para siempre; y por ello la chica sufría en silencio. Hasta que una noche, después de todo un día de trabajo en casa y herida por las duras palabras de su madrastra, no tuvo más fuerzas para aguantar...
... ¡Rey de los Goblins! ¡Rey de los Goblins!
¡si estás por aquí, llévate a este niño bien lejos de mi!
(-No es así, quién le ha enseñado esa idiotez?!
-La frase no empieza por "rey de los goblins!")
...Ojalá..., ojalá..., ojalá vinieran los goblins y se te llevaran. Ahora mismo."


Mis ratos en la cama por la convalecencia de la rodilla me están trayendo algunos recuerdos de mi niñez, como por ejemplo, la película de la que hoy haré referencia: DENTRO DEL LABERINTO. Cuando vine el primer fin de semana a Ciempozuelos, a casa de mi padre, este me había grabado varias pelis en vhs del plus, no recuerdo cuales fueron las otras, pero sí me acuerdo perfectamente la tarde-noche que pasé con mi padre, uno en cada sofá tumbados, viendo Dentro del Laberinto y que él me iba preguntando: "¿esto no te dará miedo, no?". Qué tarde tan feliz pasé con mi padre!

Esta película fue estrenada en 1986 bajo la dirección de Jim Henson y con las actuaciones estelares de Jennifer Conelly y David Bowie. Dirigida por el creador de los Teleñecos. El guionista es Terry Jones, George Lucas es el productor ejecutivo y Frank Oz el animador.

Sarah debe atravesar un laberinto para rescatar a su hermano pequeño, que ha sido secuestrado por los duendes y está en manos del poderoso rey Jareth. Sarah descubre, casi inmediatamente, que ha llegado a un lugar donde las cosas no son siempre lo que parecen. 
Sarah es desafiada a cruzar un laberinto y llegar al castillo de Jareth tanto sólo en 13 horas. Como los duendes no destacan por su juego limpio, Sarah tendrá todo en su contra. Cada bicho que se encuentre en el camino no hará más que desorientarla. Sólo el solitario Huggle, un enano curtido que parece tener cien años, será para Sarah una especie de Virgilio malhumorado y cobarde que sin querer la ayudará a sortear el laberinto. Durante el recorrido ocurre de todo y hasta las piedras mienten. Hay túneles de manos que forman rostros, aldabas que discuten entre sí, demonios enclenques que lanzan sus cabezas como pelotas, entre otras sorpresas. Este mundillo malicioso y caótico tal vez nos recuerde los cuadros alucinantes de El Bosco, aquel artista medieval que fantaseó con el infierno y otras pesadillas de su época. Otra inspiración declarada son los mundos imposibles de M. C. Escher, artista y matemático, experto en engañar la percepción.

Cinco meses de rodaje en los estudios Elstree en Londres, tras más de dos años de preparación, la participación de casi setecientas personas (entre ellos de Ron Mueck) y 25 millones de dólares es lo que necesitó Henson para llevar a buen puerto su proyecto, un cruce entre Alicia en el país de las maravillas, Blancanieves y El mago de Oz y algunos trabajos de ilustradores como Maurice Sendak y Maurits Cornelis Escher, además tiene muchas reminiscencias a la serie de animación que idearía el propio Jones una década después y que tendría una adaptación en forma de aventura gráfica para PlayStation y Sega Saturn, Blazing Dragons.

En referencia a las actuaciones, destaca una jovencita Jennifer Connelly que en su papel de Sarah demuestra un torrente de talento. David Bowie, por su parte, demuestra sus dotes interpretativos a pesar de decirse que fue escogido en tercer lugar tras descartar a Michael Jackson y Sting

En la historia narrada subyace un poema de amor construido sobre el mito del laberinto, alegoría del camino hacia el interior de nuestros secretos. El rey de los Goblins se enamora de Sarah con la que inicia un juego de inteligencia lleno de magia, acertijos y misterio. En el transcurso del viaje por el laberinto en busca de su hermano, la joven se enfrenta con muchos peligros y conoce a nuevos amigos, con los que aprende el valor de la amistad y el coraje, pero sobretodo aterriza en el mundo de los adultos para abandonar la infancia; aunque no del todo (como nos muestra el final de la película).  

También cabe remarcar la música de la película de la mano del maestro David Bowie, quien representa al rey de los Goblins con mucho carisma y llena la banda sonora de ritmos ochenteros con baterías, teclados eléctricos y guitarras. Sin ser un musical, la cinta nos ofrece momentos en los que los personajes cantan y aquí Bowie es donde más luce. Podéis disfrutar de la B.S.O. en Grooveshark
 

"Por increíbles caminos e innumerables fatigas, me he abierto camino hacia el castillo más allá de la Ciudad de los Goblins para recuperar al niño que me has robado. 
Porque mi voluntad es tan fuerte como la tuya y mi reino igual de grande. ¡No tienes poder sobre mí!"


"Didymus: ¡He jurado con mi propia sangre que nadie cruzará este camino sin mi permiso!
Sarah: Bien, ¿nos das tu permiso?
Didymus: Ehhhhh, bueno, yo… eh… eh… ¿Sí?
Sarah: ¡Gracias, noble señor!

Por mucho que nos pese en USA fue un fracaso, logrando recaudar solamente la mitad de su presupuesto (25 millones de dólares), aunque en otros países, como Japón, tuvo cierto éxito

Después de este film Henson nunca más volvió a dirigir en el cine y siguió con otros proyectos televisivos, básicamente porque su fracaso económico lo desmoralizó y lo llevó a una depresión. A saber que más tenía que decir en el mundo del celuloide.

Por cierto, amenazan con una precuela!

"- Dame al niño...! Sarah, ¡cuidado! 
- He sido generoso hasta ahora, pero puedo ser cruel. 
- ¿Generoso? ¿Qué has hecho que sea generoso? 
- ¡Todo! Todo lo que tu quisiste que hiciera. Pediste que me llevara al niño; y me lo llevé. He cambiado el orden del tiempo. He vuelto el mundo del revés y todo lo he hecho por ti. Estoy agotado de vivir según lo que tu esperabas de mí. ¿No es eso generosidad? Por increíbles peligros e innumerables fatigas me he abierto camino hasta el castillo más allá de la Ciudad de los Goblins, porque mi voluntad es tan fuerte como la tuya y mi reino igual de grande.
- ¡Basta! 
- Mira Sarah, mira lo que te estoy ofreciendo, tus sueños. Te pido tan poco... tan sólo témeme, ámame y yo seré tu esclavo, y mi reino igual de grande. ¡Demonios nunca consigo recordar ese párrafo...! Tan solo deja que te gobierne y podrás tener todo lo que tu quieras.
- No tienes poder sobre mí."





16/1/12

It Happened One Night (1934), o Sucedió Una Noche, como se llamó en España.

Película firmada por el gran Frank Capra, con un excelente guión de Robert Riskin, la fotografía corre a cargo de Joseph Walker. Se rueda en exteriores de California (Busch Gardens, Franklin Canyon Resrvoir, etc.) y en plató, con un presupuesto muy modesto (320.000$). Nominado a 5 Oscar, gana los 5 (película, director, actor, actriz y guión). Producido por F. Capra y Harry Cohn, se estrena en "première" el 22-II-1934 (NYC).


Sucedió una noche marca el comienzo de la deslumbrante carrera que, en pocos años amontonaría tesoros como Qué bello es vivir, Juan Nadie, Vive como quieras, Caballero sin Espada, El secreto de vivir… Es esta la película que eleva a Capra al olimpo de los grandes directores de cine. Primera película en obtener el Oscar en las cinco categorías principales (película, director, actor, actriz, guión adaptado), se basada en un argumento extraído de la revista Cosmopolitan, es la historia del "Bus Nocturno" de Samuel Hopkins Adams. Fue un gran éxito en su época y encumbró a la -hasta entonces secundaria- productora Columbia Pictures al club de las llamadas Majors -grandes productoras-, junto a la Paramount, Warner Bros., MGM, Universal y la Fox.

Es la historia de Peter Warnerc (Clark Gable) es un periodista bohemio y desaliñado que conoce de modo fortuito en la carretera a la joven millonaria Ellie Andrews(Claudette Colbert), la cual trata de encontrarse con su marido, con quien se ha casado a pesar de las reticencias de su familia.
Comienza un juego entre los recién conocidos en el que se vislumbra la atracción mutua y el tira y afloja tan bien llevado que divierte y atrapa a partes iguales al espectador el cual está deseando que se enamoren y se casen de una vez.
La acción tiene lugar en Miami, NYC y trayecto por carretera entre ambas localidades, durante 4 días de comienzos del verano de 1934.

Esta comedia pertenece a un estilo que se puso de moda en los años 30, conocido con el nombre de screwball comedy. Una mezcla de acción, humor, amor y situaciones algo disparatadas, que entretienen al espectador desde el principio hasta el final. Este subgénero toma su nombre del beisbol, ya que había un jugador que conseguía darle un efecto muy raro a la bola, cosa que se llamó “screwball”. Los críticos empezaron a usar ese término para referirse a un tipo concreto de comedias, en los que los dos protagonistas, muy diferentes entre sí, tenían que llevarse toda la película juntos, soportándose, odiándose, pasando por todo tipo de situaciones disparatadas, para poder llegar a un desenlace feliz donde la tensión entre ellos se transforma en amor.
Capra no abandona esa visión crítica velada de la sociedad norteamericana, mostrada siempre en un tono positivo y con un talante optimista.

Este éxito fue totalmente inesperado. Columbia Pictures tenía a uno de los mejores directores de todos los tiempos, Frank Capra, sin embrago carecía totalmente de estrellas de primer nivel, pues entre Warner, MGM y Paramount se repartían a la gran mayoría de ellas. Clark Gable estaba bajo contrato de MGM cuando fue cedido como un castigo para participar en esta cinta ya que había exigido mejoras en su contrato así como un aumento de sueldo. Por su parte, Claudette Colbert tampoco tenía mucho interés en participar en esta producción. Lo hizo porque estaba bien pagado y coincidía con su período vacacional en Paramount.

Gable salió reforzado de esta película, recibió el único Oscar de su carrera, ganó el papel de sex symbol: el de un hombre pícaro y atrevido, con buenos sentimientos y muy masculino. Empezó a ser importante en MGM, ya que hasta entonces se había limitado a ser el galán de turno en los melodramas al uso de las grandes divas de la década, como Jean Harlow, Joan Crawford, y por supuesto, Greta Garbo. A partir de Sucedió una noche, ya nada volvería a ser como antes: ahora él sería la estrella.

Para Claudette Colbert, la película significó su descubrimiento para la comedia. Hasta entonces había encarnado personajes exóticos, como Cleopatra o El signo de la Cruz, ambas de Cecil B. deMille. Curiosamente ella debutó en el cine de manos de Frank Capra en el film Los tres papás. 1934 fue crucial para su carrera, ya que realizó las tre películas más importantes de su vida: este film, Cleopatra e Imitación a la vida. Resulta también complicado entender como una actriz que representaba papeles de gran sensualidad, pusiera tantas condiciones a Capra a la hora de rodar secuencias que consideraba muy osadas, por ejemplo, la escena más famosa del film, cuando hace autostop y enseña la pierna, que en un principio iba a ser rodada por una doble, pero finalmente cedió. (En el momento en que se rodaba la secuencia con la doble, Claudette irrumpió gritando: “Sáquenla de ahí: ¡esa no es mi pierna! ¡Yo haré la escena!”).

Parecía fácil rodar la película: apenas había que construir tres pequeños decorados (un autobús, una habitación de hotel y un pajar) y el resto de las escenas –la mayoría- se rodarían en lugares reales. Pero surgieron contratiempos. El más serio fue Claudette Colbert: dio rienda suelta a sus quejas y caprichos durante todo el rodaje, poniendo al joven director contra las cuerdas en varias ocasiones, como la escena de la pierna.
Durante todo el rodaje, Claudette fue un cúmulo de problemas y contratiempos. Pero si su presencia en el plató fue motivo de tensiones y disgustos, la de Gable fue para Capra todo lo contrario: ambos congeniaron inmediatamente y juntos disfrutaron del rodaje desde el principio hasta el fin, bromeando y riendo sin parar. En un mes la película estaba terminada. Capra comenzó a trabajar en el montaje, C. Gable esperó a que los estudios volvieran a llamarle para actuar y Claudette se fue de vacaciones, no sin antes avisar a todas sus amistades que acababa de terminar de rodar la peor película de su carrera.
Frank Capra lleva a cabo uno de sus más lúcidos trabajos, al dejar un poco de lado ese sentimentalismo tan prominente (aunque gran parte de su éxito radica precisamente en ese ingrediente) que preside todas sus obras, para dejar paso a una sutil comicidad con rasgos pícaros, apreciándose también la burla a la censura de la época al colocar una cortina en la habitación que comparten los protagonistas, ya que estaba mal visto que una pareja durmiese junta si no estaban casados.
En este film Capra hace referencia a la defensa del individualismo, la independencia y la libertad, apuesta a favor del hombre común, crítica de los ricos, confianza en la persona humana. Esta es una comedia ligera de tono entretenido.
 “La gente iba a verla -comenta Frank Capra jr. recordando el suceso- y volvía con sus amigos, que a su vez volvían con los suyos…”. Las taquillas se desbordaron y las arcas de Columbia Pictures saltaron por los aires. Era un triunfo como no había habido uno hasta entonces. Batió récords de espectadores, de permanencia en las salas y de traducciones: fue un éxito tan rotundo como inesperado. Al principio nadie creyó en esta película y fue el boca a boca lo que hizo que todo el mundo cayera rendido ante ella.

Hay secuencias magistrales: simulación de matrimonio mal avenido, autoestop, lección de cómo se come un buñuelo con leche, la secuencia del primer hotel, la llamada, murallas de Jericó, etc. Otras escenas y secuencias son genialidades que sólo F. Capra podría justificar y motivar: la del auto-stop, la de la canción popular en el autobús (The man on the flying trapeze) y la del río.

Clark Gable produjo un daño considerable a los fabricantes de ropa interior masculina cuando apareció sin camiseta en la escena en que, al llegar a un motel en una de las paradas del interminable viaje en autobús, se quitaba la camisa para así intimidar a la protagonista, que no estaba decidida a irse de la habitación. Que un ídolo como Gable vistiese -al menos en el cine- sin camiseta interior motivó que millones de americanos dejaran de usarla y, por tanto, de comprarla.

La música, de Howard Jackson y Louis Silvers ("El secreto de vivir", 1936), ofrece una partitura alegre, optimista y descriptiva. Añade dos canciones tradicionales: "The Man On The Flying Trapeze" (cantada a coro) y "Who's Afraid Of The Big Bad Wolf" (canta Gable). La fotografía, de Joseph Walker, colaborador habitual de Capra en los 30 y 40, crea escenas emocionantes de velocidad (travelling de seguimiento de una caravana de coches en una carretera vallada), líricas (paso del río), cómicas (coche sobrecalentado) y de tensión (enfrentamientos en autocar).





3/1/12

POLAROIDS: HELMUT NEWTON





















"Las Polaroids satisfacen su deseo impaciente por saber de inmediato cómo una determinada situación se vería como una fotografía."

"Una Polaroid no está cuidada, quizá, pero eso es lo que la hace excitante, su espontaneidad, su rapidez".